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Archive for 24 diciembre 2008

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Verdad reconocida es que miles de personas (casi un millón al año) son “tratadas” por comercio sexual a nivel mundial. Buena parte de ellas lo hace por subsistir, otra fracción lo hace contra su voluntad y pasan a ser esclavos sexuales. La gran mayoría de ellas siendo de países tercermundistas como el nuestro. Los gobiernos de las potencias hacen caso omiso de esta problemática ya que a su economía no les afecta, por un lado, ya porque son negocios relacionados con mafias internacionales que constantemente cambian su centro de operación o lo tienen dividido a lo largo y ancho del mundo, por otro; o, quizás el peor de los casos, porque son personas de países pobres las víctimas.

Crimen Sin Perdón nos relata una de estas dramáticas historias, la de dos chicas, la polaca Verónica (Alicja Bachleda) y la mexicana Adriana (Paulina Gaitán), que son secuestradas por mafiosos rusos para comeciarlas sexualmente; y la historia de Jorge (César Ramos), el hermano de esta última que será ayudado por Ray (Kevin Kline) un policía norteamericano para encontrarla.

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Basado en el artículo escrito por Peter Landesman para la New York Times Magazine, acerca de la trata de blancas de niñas mexicanas en San Diego, “Sex Slaves on Main Street”, el guionista de Diarios de Motocicleta, José Rivera aborda el tema en una película que, si bien el tema da para muchísimo, cae en la dramatización intensa de las situaciones, al punto de que debe ser muy interesante el hecho de leer el artículo de Landesman.

Ahora el por qué (y con el dolor de mi corazón, pues una de las funciones del cine es sensibilizar respecto a ciertas problemáticas) paso a explicar las razones.

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La primera media hora de la película es la más intensa de toda la obra, ya que es absolútamente real. Nos muestra el cumpleaños de Adriana y el cariño que le tiene Jorge. Viven sólo con su madre y es Jorge quien entrega parte del dinero obtenido a punta de engaños y robos. Por otro lado vemos a Veronica llegar junto a una amiga a méxico, donde su contacto para llegar a los Estados Unidos es en realidad una madame que las rapta antes de poder escapar ilesas. Lo mismo sucede con Adriana, y Jorge al enterarse de que los rusos se la llevaron, decide rescatarla a todo lugar.

El problema es que después de la primera media hora aparece el personaje de Kevin Kline, él actor reconocido de la película. Es Kline el enganche y no aparece hasta bien entrada la historia. Lamentablemente esta iba muy bien hasta que entra este personaje con sus propias dificultades y demonios del pasado que se unen a los de Jorge, Veronica y Adriana.

El otro error es que al principio reconocemos a Veronica como una protagonista de la historia, pero su importancia mengua durante la premisa y sólo recobra su sitial al final. O lo inverosimil que resulta el que la dueña de la subasta, interpretada por Kate del Castillo, le cree confusión a Ray por creer ver en ella a su hija perdida… y todo por uno falsos lentes de contacto.

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Crimen Sin Perdón es el caso de aquel guionista que quiere (y logra) tirar toda la carne a la parrilla. Entre más mejor. Entonces, ante el superhabit de personajes (para qué hablar de los minutos en pantalla de la esposa de Ray… ¿no bastaba con sólo escucharlo hablar al teléfono?), el creador en cuestión hace notar más y más los dramas propios de cada cual. Por lo tanto, la historia se desmembrana y lo que en principio parecía más importante, no lo era tanto al final.

Lo bueno de la película es que es a momentos cruda e intenta reflejar el status quo de la esclavitud a que se ven forzadas las dos muchachas, y la ineptitud de las autoridades Norteamericanas al tratar el caso, junto con otros memorables momentos aislados como el caso en que Jorge le recalca a Ray que todos son Americanos, no tan sólo los gringos cabrones.

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Después del fiasco que significó el bodrio de Swept Away en el 2002, y Revolver de 2005 que no tuvimos la oportunidad de disfrutar (aparte de señalar el ya demasiado publicitado divorcio del inglés con Maddona), Guy Ritchie vuelve, en esencia, en gloria y majestad; y eso es Lock Stock and Two Smoking Barrels y la conocida Snatch: Cerdos y Diamantes. Esto es, una suma de historias sucintas en una gran trama de variopintos personajes del underground criminal londinense o, lo que me gusta llamar, el cine Cockney de Ritchie.

Pero… ¿qué es un RocknRolla? Para el “fallecido” rockero Johnny Quid (Toby Kebbell), es la quintaescencia de un verdadero rockstar/mafioso. Pero así como en Trainspotting, el decálogo de Renton del “choose a life…” es la excusa o el todo de un sinfin de aventuras en la decadencia de la heroina, la pregunta de qué demonios es un RocknRolla no es sino el pretexto para un viaje adrenalínico, una orgía visual de sexo, matones y rock ‘n roll… todo, por supuesto, matizado con el dinamismo de Ritchie y la genialidad de sus diálogos.

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Explicar aquí la trama de RocknRolla es algo complicado dado la multitud de personajes y sus propias motivaciones dentro de este viaje. Creo que se podría inventar un premio para quien pudiera contar Snatch en sólo cinco minutos. Pero vamos, intentemoslo.

Todo comienza cuando One Two (Gerard Butler) y Mumbles (Idris Elba) quieren entrar en el negocio inmobiliario con ayuda de Lenny Cole (Tom Wilkinson) quien gracias a su consejero Archie (Mark Strong) -suerte de Pepe Grillo con un revolver- los tima haciéndoles deber una suma superior de la que él les prestó. Pero nada es tan perfecto para Lenny, quien intenta expandir sus horizontes negociando con el mafioso ruso Uri (Karel Roden), quien le presta su pintura favorita de la suerte, pero que al final se la roban. En eso entra en escena Stella (Thandie Newton) la contadora de los rusos, quien contrata nada más ni nada menos que a One Two y su compadre Mumbles para robarle a sus propios patrones. Pero también está Johnny Quid, el rockero que se presume muerto, y que es el hijastro de Cole, pero Lenny no lo soporta y lo quiere lejos y qué mejor que muerto.

Si creen que esto es algo confuso, no se preocupen, que en pantalla se ve mucho mejor… e hilarante.

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Entonces, lo que tenemos con RocknRolla es la vuelta a las pistas de un estilo ya plasmado años atrás con la muy artesanal Lock, Stock…, un estilo refinado en Snatch, pero que en RocknRolla se avecina un poco más allá, utilizando incluso la intertextualidad (ojo, nada artistico, sino más estilístico que nada). Claro que con la suma de libras en la producción, también tenían que subir de pelo los villanos (ojo, que en las pelis de Guy Ritchie casi no existen los “buenos”), y si al principio de su carrera, los personajes eran matones de barrio, ahora… siguen ahí, pero quieren escalar a los peldaños en que se encuentra Lenny Cole, que, dicho sea de paso, es la actuación de la peli. Una suerte de Padrino de medio pelo londinense.

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RocknRola no es la película acerca de una pintura de la suerte, como tampoco de unos pocos matones queriendo subsistir su negocio, ni de un rockero viviendo de su propia leyenda en vida. Me aventuro a decir que Ritchie ha hecho una película acerca de nada… pero que lo cubre todo. Es como si Guy fuera su propio dios, algo distorcionado por lo demás, en su peculiar universo criminal. Por supuesto que después de la ola de asesinatos que sufrió Londrés los últimos seis meses no tienen nada que ver con la realidad de la peli, ni es el leit motiv de su director. A no ser que Ritchie quiera jugar a ser su propio West Side Story con lo que lo único que le faltaría sería el elemento musical en la obra. Ojalá y no lo intente, porque sería bastante perturbador ver a Butler y a Wilkinson dándose de balasos a la vez que realizan una pulcra coreografía acompañada de las canciones de rigor.

O quizás sí sería interesante.

Queridos lectores, eso pasa cuando intentas analizar RocknRolla. A dónde ir, de dónde aferrarte. Les digo, sólo déjense llevar y disfruten de este viaje por el submundo londinense. Y ríanse a carcajadas sin miedo a que los echen de la sala.

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Una gigantesca esfera se ha posado sobre el Central Park, en pleno Manhattan, ante las impávidas miradas de miles de personas que no saben qué es ni de donde viene. Un puñado de selectos científicos, entre ellos Helen Benson (Jennifer Connelly), han sido reunidos por el gobierno de los Estados Unidos, para llegar a una explicación de lo que se suponía era un meteorito que chocaría contra la Tierra. No obstante, desde la esfera emerge un cuerpo humanoide que es trasladado a investigación. Su nombre es Klaatu (Keanu Reeves) y viene a darnos una noticia: la Tierra será destruida si continuamos dañándola.

El Día en que la Tierra se Detuvo es el remake de la película del mismo nombre de 1951 y en la que Klaatu acechaba con la misma amenaza, pero con distinto motivo: la imparable violencia entre naciones. Claro, hace más de 50 años los E.U.A. estaban iniciando su Guerra Fría, y el poderío militar de los grandes poderes era impresionante (obviamente no como ahora), pero el miedo a una hecatombe nuclear era sumamente mayor. Hoy las cosas han cambiado, los tratados de desarme atómico se han cumplido (o eso esperamos) y la colaboración entre los que alguna vez fueron enemigos, se ha estrechados en los días de la globalización. No obstante, y aprovechando la crisis medio ambiental, la nueva versión de un clásico de la Ciencia Ficción, vuelve sugerente a nuestro futuro como raza humana.

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Pero tanto el espectador como el propio hombre se encuentra llano a los miedos de esta naturaleza. Ya pasaron los días de efectos como los del radioteatro de Wells y su versión de la Guerra de los Mundos. Me atrevo a decir que estamos curtidos frente a esta clase de pavor.

Y si de remakes estamos hablando, la versión de la Guerra de los Mundos de Steven Spielberg supera con creces a este remake que se basa en una temática tan compleja como trillada y que sustenta su espectacularidad en la explicación de las esferas como naves espaciales versus los platillos voladores de la original, en la forma en que se muestra la soberbia del gobierno de los Estados Unidos, y en la gradilocuencia de sus efectos especiales.

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Quiero basar mi ponencia de los errores de esta cinta tomando en cuenta la versión del remake de Spielberg en vez de la película original de 1951, ya que estamos hablando no del pasado sino de un presente revisionado en dos versiones adaptadas. Y es por ello que Guerra de los Mundos es suprema en el instante en que Spielberg le agrega lo que a la versión original le faltaba: el espanto al volver ser atacados después del 11 de septiembre y a la relación entre padres e hijos en un momento de plena supervivencia.

El Día en  que la Tierra se Detuvo contaba con esa relación de humanidad entre sus personajes, y el leit motiv de que, a pesar de todos nuestros defectos, el ser humanos es en esencia perfectible, la hacía un film que predominaba sobre las fantásticas odiseas de la época. Y esto es dado por echo en 2008. Es sólo esbosado, y se le entrega mucha más importancia a lo que nos pasará si es que no cambiamos nuestro modo de vida. Una suerte de parche antes de la herida.

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El Día en que la Tierra se detuvo llega tarde en el momento en que la problemática medioambiental cada vez deja de ser menos importante en lo mediático, y sólo queda como un film de matiné para disfrutar de lo prolíjo de sus CGIs que es lo que realmente se roba la película.

No es una obra aburrida, te mantiene en el qué pasará, pero cuando finaliza la sensación de poco gusto queda saboreando en el paladar fílmico. Si quieren ir a entretenerse, esta es la peli que están buscando. Si quieren algo más, arrienden Guerra de los Mundos revisitada por Spielberg.

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Cierta fatídica noche, un buen número de oficiales de la policía de Nueva York mueren en un sangriento tiroteo. Los hombres eran compañeros del oficial Jimmy Egan (Collin Farrell) y el cuñado de este, Francis Tierney (Noah Emmerich) era su comandante. El problema es que no parece ser un simple enfrentamiento y, ante la presencia de una posible banda dedicada a matar efectivos policiales y el solo echo de la muerte de un puñado de ellos, permite que se investigue el caso a fondo. Es así como llega a escena el detective Ray Tierney (Edward Norton), hermano de Francis, quien comienza a desmarañar los putrefactos hilos de una verdad fétida que lo llevará hasta los propios pasos de su familia.

Honor y Orgullo, dos adjetivos muy presentes al comienzo de la diégesis, y que, con el paso de los minutos, van quedando en sólo las sombras de lo que alguna vez debieron ser. Argumento que, muy a su pesar, le objeta Francis Tyerney padre (Jon Voight) a su hijo, el más ético Ray quien, no obstante, también tiene sus secretos escondidos.

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Como en el mito heleno de la Caja de Pandora, mientras más vaya hurgeteando Ray, más bichos irán saliendo del fondo del baúl, y el tema de la ética policial, junto a la realidad económica de los mismos, y de la vaga aceptación social, hacen que el transfondo cultural de la película cale hondo en el espectador. No obstante, para nosotros, esa es una realidad ajena, que sólo podemos imaginar o soñar, gracias a Hollywood; por lo tanto puede que sea una película de esas que pasan raudas por la taquilla local, empero las convincentes actuaciones de Norton y Emmerich.

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Lo más interesante de este film más humano que policial, es el tratamiento dirigido hacia la importancia no tanto del honor y el orgullo, sino a la importancia dada a la lealtad de la familia. Y la familia es el gran sustento emocional en la vida de estos policias, decendientes de Irlandeses. Y es interesante el vislumbrar que quien tiene la familia casi perfecta es el sombrío de Jimmy, mientras que Francis hijo, el comandante que ignoraba lo qe sucedía, tiene una esposa que lentamente muere de cáncer y lo dejará con dos hijos. La figura redentora de Ray es la de quien ha dejado atrás cierto momento doloroso y ha seguido su vida, aún cuando su novia lo hubiese abandonado y su hogar sea un pequeño bote al que le entra el agua. Para no ser menos, Francis padre, viejo orgulloso de su hijos, está sumido en un leve alcoholismo que lo qyuda a olvidar de las injusticias de la vida, aun cuando aparenta llevar una vida feliz.

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Honor y Orgullo, así como la Caja de Pandora, mientras más cerca se haya de la verdad, más podrida será está. Pero a diferencia del mito griego, aquí, al final de todos los bichos que atormentarán la humanidad, el bicho de la esperanza tardará en llegar, si es que llega.

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El mismo día de las elecciones presidenciales de 2006, Pedro (Benjamín Vicuña), un gay bastante tradicionalista, se esmera en preparar una comida deliciosa para impresionar a las visitas, una pareja de norteamericanos, que su amigo Manuel (Marcial Tagle), un hetero echo y derecho, ha invitado. Pero lo que el delicado Pedro no sabe es que las visitas no son gringos, ni menos una pareja, sino una sola persona; pero no es un hombre, sino una mujer, la española Gabriela (Ana Fernández), la que además viene en una misión: ser madre.

Muñeca, la primera película dirigida por el guionista Sebastián Arrau, aborda un tema para nada controversial, ni menos atípico, pero dejando de lado la “novedad” del caso, asistimos a una obra en la cual hay una narración bien lograda, una diégesis que se mantiene en su elaboración y gracias a las artes interpretativas de Marcial Tagle y Benjamín Vicuña.

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Como se ha dicho, Muñeca es una obra íntima, un viaje personal dentro de la sexualidad común. Pero, por sobre todo, con ese Chile dado a aparentar lo que no va a ser, ni será en buenos años más. Y ese es quizás lo más valorable de esta película nacional, ya que trata, por un lado la historia íntima del homosexual que le echa la culpa a su madre de ser como es, y la antagonía del súper macho devorador de mujeres que sólo sueña con estar en los brazos de su mejor amigo, ambas historias zasonadas en el barrio alto de la capital.

Y hasta allá llega Gabriela, quien junto a Loli (María de los Ángeles García), serán el contraparte femenino en esta historia de un oculto amor homosexual; la una buscando el tiempo perdido, esperando ser madre a sus ya pasados 40 años; la otra una colegiala puntuda e inmadura que confunde las realidades, sobre todo en lo que respecta al sexo.

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Podemos decir que Muñeca es una película bastante inerte en términos de acción, y que más nos recuerda por tiempos a la quietud de Bergman. No obstante, estos tiempos no son para aburrir al espectador con diálogos eternos y cámaras fijas (exceptuendo a los amantes del mal llamado Cine Arte y que atiborran con sus boinas El Biógrafo). No quiero decir que Muñeca sea aburrida y lerda, ya que a ratos sonreí y algunas veces una que otra carcajada solté, pero tampoco estamos en los ’70, que si se hubiese estrenado en esa época, ahora sería una peli de culto y los de las boinas siempre la citarían en sus aburridas conversaciones.

Pero no, Muñeca se estrena este jueves 4 de diciembre de 2008, y es muy probable que la falta de visión audiovisual le juegue en contra. Quizás hubiese esperado (una vez vista, por supuesto) un dejo de la factura de algunas películas inglesas o la maestría de Sam Mendes. Señor Arrau, su guión es muy bueno, las actuaciones son impecables, pero las tomas de cámara son sacadas de una película de Chespirito. Queremos más valentía a la hora de mover la cámara, de jugar con los decorados. Y es esa la única deficiencia que le veo a Muñeca: es muy plana visualmente hablando.

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Una vez más. Para muchos espectadores esta será una obra lenta y latera, para otros una cinta fantástica en su intimidad. Espacio indefinido. O para un lado o para el otro. Si es que se hubiese jugado por el dinamismo y creatividad audiovisual, sin duda alguna que Muñeca hubiese sido uno de los mejores estrenos de la temporada. No lo se, pero no es mala.

Punto aparte, les dejo esta interrogante: ¿Por qué la necesidad de poner un personaje extranjero ahí donde no se lo necesita? Muy bien Gabriela pudo haber sido incluso Marciana (si es que las Marcianas se urgen a cierta edad por la maternidad) ¿Será para venderla mejor en el extranjero? ¿O será un dejo de estode ser los Ingleses de Latinoamérica?

Vayan a verla.

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