La Joven Victoria

Muerto el Rey Guillermo IV, y al haber cumplido ya los 17 años de edad, en 1831 la joven princesa Alexandrina se convertiría en la Reina Victoria, cuyos logros económico-sociales fueron de suma importancia para su gente, quienes veían al monarca como un señor elevado en un trono de lujo.

Sin embargo, tal como reza el título de la obra, esta película se concentra en aquellos primeros años de gobierno de la joven reina Victoria y en aquellos años previos a la coronación, en los cuales se ensalzan con las confabulaciones palaciegas para quedarse con el trono de Inglaterra.

Magníficamente interpretada por Emily Blunt, la película nos entrega ciertos atisbos vedados al ojo profano y común, que nos ofrecidos como espectadores privilegiados de este mundo a la vez fastuoso y corrupto, del cual mucho habrá aportado la Duquesa de York, Sarah Ferguson, como una de las productoras de la historia.

Es así como recorremos la diégesis acompañando a una adolescente que se pregunta por qué es tan diferente a las demás y del por qué de su excesiva protección, que la lleva, incluso a ser el centro de drásticas medidas de seguridad.

Es aquí donde hace entrada en escena el Príncipe Alberto (Rupert Friend), quien como Victoria se ve acosado por su tío, el Rey de Bélgica, para que gane el favor de la posible próxima soberana. Es por dichas similitudes de comportamiento que unen a los jóvenes príncipes que intentarán llevar una relación prevista por el fracaso.

Nos encontramos con que, basados en los hechos reales de la vida de la Reina Victoria I, esta película bordea entre el ímpetu adolescente de sus protagonistas y las ansias de poder de todo bando y pariente imaginado a lo largo y ancho de Europa; sobresaliendo en el fuerte carácter de la soberana y sus ganas de construir una Inglaterra más justa para con sus necesitados.

Lamentablemente la película se estanca en aquellos primeros años de pre y post reinado, dejándonos sólo con una aviso en los intertítulos de los logros personales y políticos de la reina.

La Joven Victoria se nos muestra como un drama juvenil, lleno de farándula palaciega, intentando lograr los niveles que dejó Isabel: la reina virgen. Quizás sea necesario una secuela, como la de Isabel: los años dorados (ambas magistralmente protagonizadas por Cate Blanchet).

Muerto el Rey Guillermo IV, y al haber cumplido ya los 17 años de edad, en 1831 la joven princesa Alexandrina se convertiría en la Reina Victoria, cuyos logros económico-sociales fueron de suma importancia para su gente, quienes veían al monarca como un señor elevado en un trono de lujo.
Sin embargo, tal como reza el título de la obra, esta película se concentra en aquellos primeros años de gobierno de la joven reina Victoria y en aquellos años previos a la coronación, en los cuales se ensalzan con las confabulaciones palaciegas para quedarse con el trono de Inglaterra.
Magníficamente interpretada por Emily Blunt, la película nos entrega ciertos atisbos vedados al ojo profano y común, que nos ofrecidos como espectadores privilegiados de este mundo a la vez fastuoso y corrupto, del cual mucho habrá aportado la Duquesa de York, Sarah Ferguson, como una de las productoras de la historia.
Es así como recorremos la diégesis acompañando a una adolescente que se pregunta por qué es tan diferente a las demás y del por qué de su excesiva protección, que la lleva, incluso a ser el centro de drásticas medidas de seguridad.
Es aquí donde hace entrada en escena el Príncipe Alberto (Rupert Friend), quien como Victoria se ve acosado por su tío, el Rey de Bélgica, para que gane el favor de la posible próxima soberana. Es por dichas similitudes de comportamiento que unen a los jóvenes príncipes que intentarán llevar una relación prevista por el fracaso.
Nos encontramos con que, basados en los hechos reales de la vida de la Reina Victoria I, esta película bordea entre el ímpetu adolescente de sus protagonistas y las ansias de poder de todo bando y pariente imaginado a lo largo y ancho de Europa; sobresaliendo en el fuerte carácter de la soberana y sus ganas de construir una Inglaterra más justa para con sus necesitados.
Lamentablemente la película se estanca en aquellos primeros años de pre y post reinado, dejándonos sólo con una aviso en los intertítulos de los logros personales y políticos de la reina.
La Joven Victoria se nos muestra como un drama juvenil, lleno de farándula palaciega, intentando lograr los niveles que dejó Isabel: la reina virgen. Quizás sea necesario una secuela, como la de Isabel: los años dorados (ambas magistralmente protagonizadas por Cate Blanchet).

Legión de Angeles

Dios ha perdido la fe en su creación y, así como muchos lo han querido asesinar (metafísicamente hablando), el caballero ha lanzado el Apocalípsis sobre la humanidad. De historia simple sin arrugar, la única esperanza que tenemos es el nacimiento de un salvador a quien el Señor envía a eliminar de manos de su General el ángel Miguel, quien, no obstante, se niega a obedecer y emprende la misión de su vida: defender al crío por venir.

Pero el pequeño no está solo. Su madre trabaja de mesera en un tugurio abandonado en el desierto (al medio de la nada, obvio) llamado Paradise Falls, donde llega Miguel, armado hasta los dientes (si, los ángeles caídos disparan sus buenos cañones) dispuesto a todo por eliminar la amenaza que se cierne… hasta que debe enfrentarse al mismo Gabriel que baja para aleccionarlo.

Legión de Ángeles es una de esas películas que te llama desde el mismísimo trailer con su entretenida idea, sus conocidos actores y su atmósfera entre horror y aventuras. Pero sólo se queda ahí, en el sneak peak de la historilla.

Lamentablemente los realizadores (Scott Steward, su director junto al guionista Peter Schink) se han farreado una enorme oportunidad al darle más importancia a las balas corridas que a la trama mesiánica del intento, ya que teniendo tanto de donde aferrarse se deciden hacer una versión de un Rambo alado.

Con un elenco de primera tirando para segunda, liderado por Paul Bettany como Michael, seguido por Dennis Quaid y Charles S. Dutton (en dos papeles totalmente de sobra), más un Kevin Durand (Metin Keamy en Lost) como el arcángel Gabriel, Legión de Ángeles nos deja sólo con una profunda reflexión otorgada por Mr. Quaid: “Yo ni siquiera creo en Dios” Micheal: “Él tampoco cree en ti, Bob”.

Lo que es yo, ni siquiera creo en una posible resurrección de esta película.

Buen trailer, pésima película.

Dios ha perdido la fe en su creación y, así como muchos lo han querido asesinar (metafísicamente hablando), el caballero ha lanzado el Apocalípsis sobre la humanidad. De historia simple sin arrugar, la única esperanza que tenemos es el nacimiento de un salvador a quien el Señor envía a eliminar de manos de su General el ángel Miguel, quien, no obstante, se niega a obedecer y emprende la misión de su vida: defender al crío por venir.
Pero el pequeño no está solo. Su madre trabaja de mesera en un tugurio abandonado en el desierto (al medio de la nada, obvio) llamado Paradise Falls, donde llega Miguel, armado hasta los dientes (si, los ángeles caídos disparan sus buenos cañones) dispuesto a todo por eliminar la amenaza que se cierne… hasta que debe enfrentarse al mismo Gabriel que baja para aleccionarlo.
Legión de Ángeles es una de esas películas que te llama desde el mismísimo trailer con su entretenida idea, sus conocidos actores y su atmósfera entre horror y aventuras. Pero sólo se queda ahí, en el sneak peak de la historilla.
Lamentablemente los realizadores (Scott Steward, su director junto al guionista Peter Schink) se han farreado una enorme oportunidad al darle más importancia a las balas corridas que a la trama mesiánica del intento, ya que teniendo tanto de donde aferrarse se deciden hacer una versión de un Rambo alado.
Con un elenco de primera tirando para segunda, liderado por Paul Bettany como Michael, seguido por Dennis Quaid y Charles S. Dutton (en dos papeles totalmente de sobra), más un Kevin Durand (Metin Keamy en Lost) como el arcángel Gabriel, Legión de Ángeles nos deja sólo con una profunda reflexión otorgada por Mr. Quaid: “Yo ni siquiera creo en Dios” Micheal: “Él tampoco cree en ti, Bob”.
Lo que es yo, ni siquiera creo en una posible resurrección de esta película.
Buen trailer, pésima película.

Precious

Clarieece “Precious” Jones vive una vida idílica. Es la invitada obligada a las mejores galas, es vestida por diseñadores top, tiene un joven novio de piel clara que la saca a pasear en su fantástica moto, es estrella, es famosa. No tiene problemas, ninguno. Hasta que despierta y vuelve, de sopetón, a su realidad.

Y la realidad es que Precious (Gabourey Sidibe) vive un infierno. Su padre, el novio de su “ejemplar” espécimen de madre, es también el padre de sus dos hijos (uno es retrasado y le llaman Mongo), su mamita (Mo’Nique), en cuestión, abusa física y mentalmente de ella; una bruja holgazana que manda a su hija al colegio sólo por recibir el cheque del Seguro Social (el Welfare, el opio para el pueblo). Precious tiene dislexia y la envían a un colegio especial (perdiendo de paso el Seguro). Para rematar es obesa mórbida, pobre, vive en el gueto del Harlem, es negrísima como la noche, y es 1987. Todo mal. Pero su Asistente Social y su profesora en la nueva escuela la ayudarán a superarse.

Y no es una historia de superación tal como a menudo nos la presenta Hollywood. Acá la Asistente Social no es Erin Brockovich, sino una demacrada y casi irreconocible Mariah Carey (con un desempeño más que creíble), y su profesora no es un símil del personaje de Michelle Pfeiffer en Mentes Peligrosas, sino una muy cansada y realista Señorita Blu Rain (Paula Patton). Si bien es cierto que Precious presenta y recorre un sendero parecido a los filmes de guetos y superaciones, el tono, el alma a la película se lo da su toque de cruda, amarga y visceral realidad. Y ya que estamos llegando al mes de la entrega de los Premios de la Academia (más conocidos como los Oscares), me permito presentar a mi favorita como Actriz de Reparto: Mo’Nique.

Si bien Precious compite (a duras penas con grandes nombres y títulos) en tres categorías importantes (Mejor Película, Actriz Principal y Actriz Secundaria o de Reparto), es sin lugar a dudas que esta última la que realmente le otorga a la película esa veta de culto. Mo’Nique es una comediante reconocida en los Estados Unidos, pero su labor en Precious no es la de hacer reír. Como cual gran actriz de carácter, nos entrega un personaje repulsivo en su sinceridad retratando a un enorme segmento de la población afroamericana que llega a doler por su exactitud. Si los subtítulos fueran exactamente fieles en su traducción, créanme que la carga emotiva sería en un 50% mayor.

Con buen manejo de la historia (basada en la novela Push de la autora Sapphire) y una factura acorde con la producción, Precious, de Lee Daniels, es una cinta que estremece a muchos niveles, y que, a pesar de la época diegética, todavía nos muestra grandes problemas (educación, salud, sociedad) que aún no se encuentran solución y que veremos reflejados en nuestra propia idiosincrasia.

Absoluta y totalmente recomendada.

!http://kinoptico.files.wordpress.com/2010/02/precious.jpg! Clarieece “Precious” Jones vive una vida idílica. Es la invitada obligada a las mejores galas, es vestida por diseñadores top, tiene un joven novio de piel clara que la saca a pasear en su fantástica moto, es estrella, es famosa. No tiene problemas, ninguno. Hasta que despierta y vuelve, de sopetón, a su realidad.
Y la realidad es que Precious (Gabourey Sidibe) vive un infierno. Su padre, el novio de su “ejemplar” espécimen de madre, es también el padre de sus dos hijos (uno es retrasado y le llaman Mongo), su mamita (Mo’Nique), en cuestión, abusa física y mentalmente de ella; una bruja holgazana que manda a su hija al colegio sólo por recibir el cheque del Seguro Social (el Welfare, el opio para el pueblo). Precious tiene dislexia y la envían a un colegio especial (perdiendo de paso el Seguro). Para rematar es obesa mórbida, pobre, vive en el gueto del Harlem, es negrísima como la noche, y es 1987. Todo mal. Pero su Asistente Social y su profesora en la nueva escuela la ayudarán a superarse.
Y no es una historia de superación tal como a menudo nos la presenta Hollywood. Acá la Asistente Social no es Erin Brockovich, sino una demacrada y casi irreconocible Mariah Carey (con un desempeño más que creíble), y su profesora no es un símil del personaje de Michelle Pfeiffer en Mentes Peligrosas, sino una muy cansada y realista Señorita Blu Rain (Paula Patton). Si bien es cierto que Precious presenta y recorre un sendero parecido a los filmes de guetos y superaciones, el tono, el alma a la película se lo da su toque de cruda, amarga y visceral realidad. Y ya que estamos llegando al mes de la entrega de los Premios de la Academia (más conocidos como los Oscares), me permito presentar a mi favorita como Actriz de Reparto: Mo’Nique.
Si bien Precious compite (a duras penas con grandes nombres y títulos) en tres categorías importantes (Mejor Película, Actriz Principal y Actriz Secundaria o de Reparto), es sin lugar a dudas que esta última la que realmente le otorga a la película esa veta de culto. Mo’Nique es una comediante reconocida en los Estados Unidos, pero su labor en Precious no es la de hacer reír. Como cual gran actriz de carácter, nos entrega un personaje repulsivo en su sinceridad retratando a un enorme segmento de la población afroamericana que llega a doler por su exactitud. Si los subtítulos fueran exactamente fieles en su traducción, créanme que la carga emotiva sería en un 50% mayor.
Con buen manejo de la historia (basada en la novela Push de la autora Sapphire) y una factura acorde con la producción, Precious, de Lee Daniels, es una cinta que estremece a muchos niveles, y que, a pesar de la época diegética, todavía nos muestra grandes problemas (educación, salud, sociedad) que aún no se encuentran solución y que veremos reflejados en nuestra propia idiosincrasia.
Absoluta y totalmente recomendada.

Desde mi Cielo

Susie Salmon es una inquieta, amigable e inocente quinceañera que vive una hermosa relación con sus padres, su escuela y su vecindario. La época son la mitad de los ’70s y la vida parece idílica… hasta que es secuestrada y asesinada por el señor Harvey, un vecino en apariencias amable. pero a pesar de que ha muerto, y sus padres se desmoronan emocionalmente al no encontrar ni su cuerpo ni a su asesino, Susie se queda en un lugar paradisiaco, entre el Cielo y la Tierra, desde donde comprenderá que su misión es guiar a su padre hacia el causante de toda la desgracia.

Con Desde mi Cielo (The Lovely Bones, Peter Jackson vuelve al cine King Kong, con esta maravillosa historia cruce entre policial, drama y fantasía. Basando la historia en la novela homónima de Alice Sebold, Jackson intenta darle coherencia visual a un relato que claramente se divide en dos: el de Susie (una perfecta Saoirse Ronan) que a pesar de la dicha que siente en su Cielo perfecto, debe cumplir una misión más importante de lo que imagina; y el de su familia terrenal, donde su padre Jack (Mark Wahlberg) se empecina en resolver el crimen, a pesar de que su esposa Abigail (Rachel Weisz) no soportando la pérdida decide escapar, dejándolo solo con sus hijos.

Lamentablemente, ambas historias no logran su unión, y lo que se percibe como un acercamiento entre ambos mundos, sólo queda como un susurro apagado en toda la diégesis; una que se ve más y más imbuida en la grandilocuencia (muy bien merecida, en todo caso) de sus efectos especiales.

No todo lo que se lee en una novela puede ser llevado de forma íntegra al celuloide, y Desde mi Cielo debiera de servirle de lección a mi amigo Jackson, que en su pasado ha hecho maravillas junto a su equipo creativo (Phillipa Boyens y Fran Walsh); sin embargo, creo que esta vez los chicos de la Weta (su fábrica de efectos, una suerte de ILM kiwi) tuvieron la última palabra… o al menos eso se ve por sentado en el corte para la audiencia. Una lástima, ya que el talento de la joven Ronan, junto al inigualable personaje de la abuela Lynn, interpretada formidablemente (era que no) por Susan Sarandon, y la intensidad de un Stanley Tucci como el pérfido George Harvey hubieran prevenido la zozobra de tan anhelado filme.

Susie Salmon es una inquieta, amigable e inocente quinceañera que vive una hermosa relación con sus padres, su escuela y su vecindario. La época son la mitad de los ’70s y la vida parece idílica… hasta que es secuestrada y asesinada por el señor Harvey, un vecino en apariencias amable. pero a pesar de que ha muerto, y sus padres se desmoronan emocionalmente al no encontrar ni su cuerpo ni a su asesino, Susie se queda en un lugar paradisiaco, entre el Cielo y la Tierra, desde donde comprenderá que su misión es guiar a su padre hacia el causante de toda la desgracia.
Con Desde mi Cielo (The Lovely Bones, Peter Jackson vuelve al cine King Kong, con esta maravillosa historia cruce entre policial, drama y fantasía. Basando la historia en la novela homónima de Alice Sebold, Jackson intenta darle coherencia visual a un relato que claramente se divide en dos: el de Susie (una perfecta Saoirse Ronan) que a pesar de la dicha que siente en su Cielo perfecto, debe cumplir una misión más importante de lo que imagina; y el de su familia terrenal, donde su padre Jack (Mark Wahlberg) se empecina en resolver el crimen, a pesar de que su esposa Abigail (Rachel Weisz) no soportando la pérdida decide escapar, dejándolo solo con sus hijos.
Lamentablemente, ambas historias no logran su unión, y lo que se percibe como un acercamiento entre ambos mundos, sólo queda como un susurro apagado en toda la diégesis; una que se ve más y más imbuida en la grandilocuencia (muy bien merecida, en todo caso) de sus efectos especiales.
No todo lo que se lee en una novela puede ser llevado de forma íntegra al celuloide, y Desde mi Cielo debiera de servirle de lección a mi amigo Jackson, que en su pasado ha hecho maravillas junto a su equipo creativo (Phillipa Boyens y Fran Walsh); sin embargo, creo que esta vez los chicos de la Weta (su fábrica de efectos, una suerte de ILM kiwi) tuvieron la última palabra… o al menos eso se ve por sentado en el corte para la audiencia. Una lástima, ya que el talento de la joven Ronan, junto al inigualable personaje de la abuela Lynn, interpretada formidablemente (era que no) por Susan Sarandon, y la intensidad de un Stanley Tucci como el pérfido George Harvey hubieran prevenido la zozobra de tan anhelado filme.

El Hombre Lobo

Hace unos días atrás se estrenó este remake de las andanzas de Lon Chaney como el Hombre Lobo original. Nada de mamonerías siúticas onda Luna Nueva, ni visiones pre-apocalípticas como Underworld. No. Ahora Benicio del Toro es el nuevo viejo Lon, ahora vuelve la leyenda original del Hombre Lobo, aquel donde realmente el hombre es el lobo del hombre.

La premisa es clásica, pero algo olvidada entre tanto peluche y romance. La cosa es bien simple: si un hombre lobo no mata a su víctima y sobrevive al ataque, cada luna llena esta se transformará en un licántropo asesino, el cual puede ser detenido por aquella persona que realmente lo ama… y una bala de plata.

Es así como, al enterarse de la muerte de su hermano Ben, Lawrence Talbot (Benicio del Toro) vuelve a su villa natal de Blackmoor encominado por la prometida del difunto, Gwen Conliffe (Emily Blunt). Una vez en la tenebrosa mansión se reencuentra con su padre Sir John Talbot (Anthony Hopkins) un anciano cada vez más despreocupado y alejado de todo sentimiento humanamente posible.

No obstante, al buscar pistas sobre el ataque sufrido por Ben, Lawrence es atacado por la bestia logrando sobrevivir… y la historia comienza.

Si bien este remake respeta la historia original, sobre todo en la génesis de la leyenda, notamos que la diégesis es sin duda alguna para nuestros tiempos, bastante previsible lo que le permite al espectador el develar el secreto guardado por la historia; sin embargo, el verdadero don de esta versión radica en la puesta en escena del conflicto, en la utilización fenomenal de las tinieblas y el recorte de las siluetas para el fin tenebroso del suspenso, y sobre todo, a la maravillosa transformación que sufre el protagonista a vista y paciencia de nuestros ojos.

El Hombre Lobo nos devuelve a la bestia de los clásicos horrores del cine en un camino que tuvo que tomar La Momia y que se desprende del legado que dejó Ford Copola con su Drácula de Bram Stocker.

Vivir al Límite

Nominada a 9 premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actor Principal, llega a las salas nacionales Vivir al Límite, filme bélico que indaga en las divagaciones de un especialista en desarme de bombas y la tensa relación con su equipo.

Kathryn Bigelow, cuyo último éxito comercial fue en 1991 con Point Break, nos trae la íntima historia del Sargento Williams James (un hasta ahora casi desconocido Jeremy Renner), uno de los más ávidos desactivadores de bombas durante la “guerra” en Irak, quien sólo encuentra un motivo para vivir en los inquietos instantes en que su equipo llega para asegurar el área y protegerlo de posibles francotiradores mientras él se dedica a intentar desarmar coches bomba, chalecos bomba y toda clase de enferma obsesión por hacer detonar el orden establecido, y a la vez, admirar el trabajo cada vez más descarnado de sus oponentes.

Es de esta forma que el equipo que llega a liderar no logra adaptarse a su forma de trabajo y ven cada día que pasa una oportunidad para que la muerte los lleve antes de volver a sus hogares. Y claro, ellos estaban acomodados al training de su otro líder (Guy Pierce) quien seguía cada protocolo para no exponer a peligros innecesarios a su equipo.

El gran acierto de Bigalow es centrarse en la tensa emocionalidad del trío de especialistas más allá de los sinos de la guerra, ni de los conflictos en enfrentamientos. Es más, los puntos más álgidos de la película se centran en la expectación del Sgto. Sanborn (Anthony Mackie) y del Sgto. Especialista Eldridge (Brian Geragthy) en aquellos tiempos muertos vigilantes.

Si bien, Vivir al Límite no expone grandes actuaciones, de aquellas memorables y largamente recordadas por sus líneas cliché, si nos encontramos con un reparto principal que denota una armonía al momento de aparecer en escena y que mantiene al crudeza de las situaciones.

La gran pregunta que se genera a partir del visionado es ¿hasta qué momento se puede bloquear el dolor para hacer bien el trabajo? The Hurt Locker (Vivir al Límite) no nos devela la interrogante ya que pertenece a cada quien el ver qué sacrificar por un buen trabajo o por una afición que te puede costar todo.